Joan Manuel Serrat - "O ferro-velho" (em português) do disco single,com o mesmo titulo (1969)

Adaptação do poema por Alexandre O'Neill

Poema (original) e musica de Joan Manuel Serrat.

Joan Manuel Serrat i Teresa (Catalan pronunciation: [ʒuˈam mənuˈɛɫ səˈrat]) (27 December 1943) is a Spanish singer.

Serrat is considered one of the most important figures of modern, popular music in both the Spanish and Catalan languages. He became involved with music at the age of 17, when he got his first guitar, to which he dedicates one of his earliest songs, "Una guitarra".

In the early '60s, the young artist participated in a pop band, playing along with classmates at Barcelona's Agronomy School and performing mainly Beatles songs and Italian 'pop-of-the-era' songs translated to Spanish.

In 1965, while singing in a radio show called Radioscope, host Salvador Escamilla helped him secure a record deal with local label Edigsa, where he recorded his first LP, as well as joining the group Els Setze Jutges.

Joan Manuel Serrat's first live stage performance in 1967 at the Palau de la Música Catalana, served to establish him as one of the most important artists inside the Nova cançó movement in Catalonia.

The following year, Spain entered Serrat in the Eurovision Song Contest 1968 to sing "La, la, la", but he asked to sing it in Catalan, to which the Spanish authorities would not agree. This would be the first time he would come into conflict with the language politics of Francoist Spain, because of his decision to sing in his native Catalan language, repressed by dictator Francisco Franco. Defiantly, Serrat refused to sing the Spanish-language version, and was hurriedly replaced by Massiel, who went on to win the contest with her Spanish-language interpretation.

As a result, Serrat's songs were banned and his records burned in the streets. He then traveled to South America and participated in the Rio de Janeiro's World Music Festival, where he took first place with the song "Penélope".

In 1969, Serrat released an album containing songs with texts of Antonio Machado, a well-known Spanish poet of late 19th-early 20th century. This album brought him immediate fame in all Spain and Latin America though, in spite of this, his decision to sing in Spanish was criticized in some Catalan nationalist circles. Regarding this and other times when his choice of language (sometimes Spanish, sometimes Catalan) raised controversy on either side of the political sphere, he once explained: "I sing better in the language they forbid me."

The release of the Mediterráneo LP in 1971 consolidated the artist's reputation worldwide. During that year, Serrat sang a seminal concert at the theater of theUniversity of Puerto Rico, Río Piedras Campus, which was highly influential in the Puerto Rican music community of the time, and which had repercussions as late as 2006.

In late 1974, Serrat was exiled in Mexico due to his condemnation of arbitrary executions under Franco's regime. It wasn't until Franco's death on November 20, 1975 that Serrat was able to return to his homeland. In 1976, Joan Manuel Serrat was acclaimed for the first time in the U.S.A., while performing in Los Angeles, San Francisco, and New York.

In January 1995, the Spanish government awarded him a medal for his contribution to Hispanic culture. That same year, a tribute album called Serrat, eres único was made to honor his career, featuring artists such as Diego Torres, Ketama, Rosario Flores, Joaquín Sabina, and Antonio Flores. On 28 November 1998, Serrat performed the Cant del Barça during the FC Barcelona Centenary festival at the Camp Nou.

In 2000, the Spanish Association of Authors and Editors (SGAE) awarded him with one of ten Medals of the Century.

Serrat revealed in October 2004 that he had been undergoing treatment for cancer of the urinary bladder and in November that year he had to cancel a tour of Latin America and the U.S. in order to undergo surgery in Barcelona, where he still lives. His signature song "Mediterráneo" was selected as the most important song of the 20th century in Spain.

His recovery was satisfactory, and in 2005 he went on tour again ("Serrat 100×100") around Spain and Latin America with his lifelong producer and arranger, Ricard Miralles. During the tour Serrat played symphonic versions of his songs with local symphony orchestras.

A second volume of Serrat, eres único was also released this year, featuring Alejandro Sanz, Estopa, and Pasión Vega. Around the same time, Cuban artists such as Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Chucho Valdez, and Ibrahim Ferrer came together to make another tribute CD, Cuba le canta a Serrat.

By 2006, the theater of the University of Puerto Rico in Río Piedras where Serrat sang in 1970 had undergone a multi-million dollar renovation, after being closed for ten years. The university planned to reopen the theater with Serrat as its first popular culture act, thus recalling his first performance there. However, student protests over the university conceding private entities control over some theater administration functions ended up in a physical confrontation between some student leaders and patrons attending the theater's inaugural gala, the day before Serrat's first scheduled performance. As a result, the concerts had to be postponed and changed to another venue. Serrat felt particularly uneasy about the whole situation; when he was pressed to take sides in the controversy he opted to remain neutral.

In 2006 Serrat also released Mô, his first album completely in Catalan in 17 years. The album title refers to the city of Mahón, capital of the Spanish island of Menorca, where he likes to get away from it all during long touring seasons.

 Retirado da: Wikipédia.

Aguaviva: poetas andaluces, versión original.

Aguaviva es un grupo musical español, que desarrolló básicamente su trayectoria durante los años 70 del siglo XX. Interpretaron poemas de poetas españoles como Blas de Otero, Federico García Lorca yRafael Alberti entre otros. Algunas de sus canciones fueron prohibidas por el régimen de Francisco Franco (1939-1975).

AGUAVIVA llegó en el momento preciso, como si hubiera sido un diseño cuidadosamente programado para aparecer cuando hacía falta y para decir las cosas que la gente necesitaba escuchar. Y no fue así. Se construyó de forma natural, como nacen y se hacen todos los grupos en el mundo: reuniones de jóvenes con inquietudes comunes, dispuestos a plasmarles en canciones, selección de textos, musicalización de los mismos, recluta de componentes y... a echar a andar.

Corrían los últimos años sesenta y en España se vivía una ebullición que un régimen, acostumbrado a que nada cambiara, no llegaba a advertir. Las cosas estaban cambiando a gran velocidad, aunque en la superficie todo pareciera atado y bien atado. En un piso de Madrid, cercano a la Avenida de América, un estudiante con ansias literarias, José Antonio Muñoz, ponía las bases del nuevo grupo junto a un joven cantautor asturiano que ya había estado en Mágicos, Polaris y Sonor, antes de debutar como intérprete de sus propias canciones. Se llamaba Manolo Díaz y el público le conocía principalmente por su "Postguerra" aunque también había escrito para Massiel o Manolo Pelayo.

A ambos les movían los mismos ideales. Seleccionaron cuidadosamente los poemas y los autores y Manolo Díaz les fue poniendo música. Ellos no inventaron lo de musicalizar poetas. Alberto Cortez o Serrat ya habían triunfado con Neruda o Machado. Pero encontraron una fórmula propia que respetaba el texto íntegro, recitado, del poema y además le añadía música, armonía y voces. Firmaron por un nuevo sello discográfico, Acción, ligado a la Cadena SER y grabaron su primer disco con una formación tan abierta que ni siquiera fueron los mismos intérpretes quienes empezaron y terminaron el disco. Algunos de los componentes que cantaron en los primeros temas ya ni aparecieron en la portada de aquel álbum, titulado "Cada vez más cerca" cuya portada presentaba el formato de un periódico lleno de noticias de actualidad. En aquel disco estaba “Poetas Andaluces”, un poema del gaditano Rafael Alberti, escrito en 1950, lamentándose de que no se alzara ninguna voz andaluza contra la situación que vivía España en aquel entonces. Pero AGUAVIVA la grabó en el 70 y Alberti creía que en esa época los poetas andaluces ya habían hablado, y con firmeza, contra la dictadura. Al final todo se solucionó añadiendo al título del poema “Poetas andaluces”, ese año 1950, que señalaba así la fecha de su nacimiento.

En un primer momento, AGUAVIVA no fue recibido con demasiado entusiasmo en España. Un veterano crítico de discos, que trabajaba entonces en la radio oficial, llegó a quejarse del contenido del álbum con una frase que define el espíritu de aquella vieja guardia: “No hemos ganado la guerra para que ahora se escuche a Alberti en nuestras radios”. Sin embargo, en los ambientes progresistas se les recibió como una de las voces más valientes de una época especialmente difícil. Donde causaron sensación fue en Europa. La conquista empezó con la VI Mostra de Venecia, en 1970, donde cantaron por primera vez fuera de España con una acogida inesperadamente elogiosa. Luego llegaron las actuaciones de Portugal y el Midem de Cannes del 71, en la que repitieron el triunfo y, tras él, la llamada de televisiones y organizadores de festivales de toda Europa que les reclamaban como auténticas estrellas.

En 1971 participaron por primera vez en el Festival de San Remo, en una etapa en que las canciones tenían dos defensores, habitualmente uno italiano y otro extranjero. AGUAVIVA interpretó “13 Storia D’oggi” formando tándem con Al Bano y pasaron a la final. Al año siguiente repitieron experiencia, pero ya sin compartir responsabilidades, pues ese año solo había un intérprete por canción y pasaron también a la final con “Ciao, amico, ciao”. Entretanto recorrieron Europa, casi siempre en un autobús en el que, además de los cantantes y músicos, llegaban a viajar los hijos, todavía bebés, de algunos componentes. Eran como una gran familia que, sin embargo, cambiaba de miembros con enorme velocidad. Eso llevó a un periódico italiano a escribir que AGUAVIVA estaba compuesto por 32 componentes aunque para el Festival de San Remo habían enviado una formación ¡reducida! de doce miembros. En otro periódico se utilizó la cifra de 64 componentes, pues quizás interpretaban mal la explicación de que por el grupo habían pasado, a lo largo de su historia, dos o tres decenas de miembros. Entre los más duraderos y representativos de esa forma de ser de AGUAVIVA se podría citar a Carmen Sarabia, Rosa Sanz, Luis Gómez-Escolar, José María Jiménez, Ricardo Duque, Juan Carlos Ramírez Llach, Pepe Egea además de José Antonio Muñoz y Manolo Díaz, socios fundadores. En 1971 AGUAVIVA editaba su segundo álbum, “Apocalipsis”, con un formato similar al anterior: una selección de poemas que eran recitados, casi siempre en la voz de José Antonio, y cantados por todos sus compañeros. De nuevo el equilibrio en la elaboración de los temas era fundamental: la elección de los textos era tan importante como su puesta en música y eso hizo que AGUAVIVA no cometiera en error de ceder la primacía a uno de ambos aspectos, habitual en formaciones de ese tipo. Los hay que se convierten en excelentes intérpretes de canciones vacías mientras que otros prefieren densos textos con música de escasa inspiración.

En el 72, con gran regularidad, aparecía “La Casa de San Jamás”, una obra conceptual en la que no se recurría ya a textos ajenos y donde había músicas de varios componentes de AGUAVIVA, labor que hasta entonces había realizado Manolo Díaz. Son los tres primeros álbumes de un grupo que supo ser diferente sin alejarse por ello de las exigencias de una sociedad ávida de escuchar verdades como las que ellos cantaban. Su éxito fue tal que, en esos tres primeros años, vieron sus discos editados en toda Europa y que el primero, “Cada vez más cerca”, llegara a ser publicado en los Estados Unidos con el título “Aguaviva, 12 who sing of revolution” y con la voz de Raúl Juliá recitando en inglés la parte que José Antonio Muñoz había grabado en castellano. Los propios AGUAVIVA grabaron en italiano y sus discos aparecieron con regularidad en Francia, Italia, Holanda, Alemania, Portugal y hasta en Angola, país al que fueron invitados a cantar pocas horas antes de estallar la guerra que les llevaría a la independencia. Cantaron en todos esos países, con estatus de estrella y teniendo como complemento algunos cantantes de esos que nuestras televisiones llaman como grandes atracciones con cheques llenos de ceros. Todavía editarían un álbum más, muy minoritario, en el sello Acción, con el título de “Cosmonauta”. Luego llegó la venta del sello original y pasaría a Ariola, donde editaron un quinto álbum, “Poetas andaluces de ahora” y a EMI donde culminaron su trayectoria con “No hay derecho”.

Y contabilizamos así los discos, dejando aparte “La invasión de los bárbaros”, un álbum que quedó sin editar en su momento y vería la luz más tarde. Pero la gran carrera de AGUAVIVA se produjo en la primera mitad de los setenta, cuando grabaron con Acción, un sello tan inexperto y primerizo como ellos mismos. Y esa es la etapa que recogemos en este doble álbum, resumen de un tiempo difícil en el que unos jóvenes universitarios supieron encarnar en sus voces el grito de todos los que vivimos aquella época.

Os Kriptons - Manga Madura (1965).

"Segundo consta na contracapa do EP, Os Kriptons eram formados por:

Dinito (António José Diamantino - viola solo), Carss (Carlos Alberto Sanches - viola baixo), Gilima (Gil Azevedo Lima - viola ritmo) e Toni (António Veloso -- bateria).

Este grupo atuou pela primeira vez em Outubro de 1964 no N'gola Cine, em Luanda e eram muito populares, tendo alcançado bastante êxito regional."

in http://musicasdosanos60.blogspot.com

Os Inlexo - Uma Velha Foi a Feira.

Pessoalmente, confesso que fiquei bem impressionado com essa descoberta...

Tudo bem que nos 4 cd’s PORTUGUESE NUGGETS ( série sobre a "jovem guarda lusitana" ) aparecem uma ou outra música desses caras, mas nunca imaginei que eles fossem de tão mais longe ainda... no caso, da cidade de Lourenço Marques (atual Maputo), capital Moçambicana!

Sim, Os Inflexos foram uma banda de rock no continente africano. Aliás, o que não faltava por lá era rockeiro bom, mas isso na África do Sul, que além de contar com talentos da estirpe de Dan Hill, The Bats, The A-Cads, The Invaders etc, também exportou muita gente de peso como Manfred Mann, Johnny Kongos, Sharon Tandy (que já aportou por esta coluna) e o produtor Frank Fenter, décadas antes da estonteante Charlize Theron e do insosso Dave Mathews ganharem o mundo dos famosos.

Mas voltando ao Moçambique...

Uma curiosidade sobre as bandas de lá é que por conta dos recursos limitados dos estúdios locais e da deficiente distribuição (isso, mesmo sendo um então território portugues), os artistas se apoiavam de fato na boa estrutura dos estúdios sul-africanos que, à revelia de um stablishment racista e ultra-conservador, investiam forte no rock'n'roll, propagando sobremaneira os ecos da música negra norte-americana. Logo, o presente disco d'Os Inflexos, apesar de ter sido todo composto em Moçambique, foi gravado e teve sua distribuição feita a partir de Johanesbourgo, na África do Sul.

Ano passado, várias dessas músicas foram lançadas em uma série portuguesa chamada CAZUMBI, dedicada inteiramente à produção roqueira no continente africano durante os anos 60 e começo dos 70, mas isso aí já é assunto para um outro dia...

Os INFLEXOS eram : Carlos Nelson (voz), Helder Matias (viola), Jorge Montenegro (órgão), Chico (baixo) e Carlos Alberto (bateria). Em 1969 gravaram apenas um epê, com as faixas: "Verdes Anos" (versão lusa para "Ob-la-di-Ob-la-da" dos Beatles), "Furtivo Olhar", "Uma Velha Foi À Feira" (flertando naturalmente com a tropicália!) e "Let Me Live My Life".

Não demorou para que divergências internas se acirrassem e provocassem a cisão da trupe. Para um lado, seguiu-se o vocalista Carlos Nelson, que gravou um single sob o nome Carlos Nelson & Os Inflexos, e por outro lado, seguiram-se os demais integrantes que rebatizaram a banda de Os Impacto. Carlos Nelson rumou para uma vertente mais folk-lissérgica enquanto que Os Impacto assumiam uma faceta mais blues-garageira. Contudo, ambos os lados mantiveram-se fiéis à sonoridade do epê, provando que mesmo as diferenças mais gritantes existentes entre si não podiam separá-los do que faziam melhor: boa música, com identidade própria!

retirado de: http://colunasdomax.blogspot.pt/2009/05/os-inflexos-mocambique-1968.html