segunda-feira, 17 de dezembro de 2012

Paco Ibañez - La Poesia es un arma cargada de Futuro.





De padre valenciano y madre vasca, es el menor de cuatro hermanos. Pasa su primera infancia en Barcelona, lugar en el que reside actualmente. Tras la guerra civil, su familia se ve obligada a exiliarse a Francia puesto que su padre era un militante anarcosindicalista de la CNT. Entre el invierno de 1939 y el inicio de la ocupación alemana, residirán en París. Su padre, militante anarquista, es arrestado e internado en un campo de trabajo para republicanos españoles. Su madre regresa entonces con los cuatro hijos a San Sebastián para trabajar, viviendo en el caserio familiar de Aduna en Guipúzcoa hasta los 14 años. Más tarde, estos recuerdos de infancia en el caserío familiar los recoge en su disco Oroitzen —Recordando—, cantado en euskera. En 1948, la familia atraviesa clandestinamente la frontera y se reúne con el padre en Perpiñán. Paco aprende de su padre el oficio de ebanista, al tiempo que comienza a estudiar violín. Pronto sustituye el violín por la guitarra. Instalados definitivamente en París, a principios de los años cincuenta, descubre primero la música de Georges Brassens y de Atahualpa Yupanqui, referencias fundamentales para su formación artística e ideológica, e inmediatamente después a Léo Ferré y al movimiento existencialista francés, que se encontraba en pleno auge.
En 1956 la foto de una mujer andaluza vestida de negro le inspira su primera canción sobre el poema "La más bella niña", de Luis de Góngora. Con los poemas de Góngora a los que añade otros de García Lorca realiza su primera grabación en 1964. Un disco que, desde el mismo momento de su aparición, se convierte en un clásico utilizado por los profesores de lengua y literatura española como material pedagógico, y por los defensores de las libertades como un símbolo de resistencia cultural.
En 1958, una amiga de Paco y de Pierre Pascal, le lleva a Salvador Dalí, a Cadaqués, un disco de prueba con algunas canciones de Lorca y Góngora. Cuando Salvador Dalí lo escucha quiere conocer "al muchacho" que ha hecho el disco. Cuando se conocen, nace la idea de que el pintor realice el dibujo para la portada del disco y se inaugura así una estrecha relación de Paco, no sólo con el mundo de la poesía y de la literatura en general, sino también con el de las artes plásticas.


domingo, 9 de dezembro de 2012

Serrat y Aute - De alguna manera.



Luis Eduardo Aute was born in Manila, the capital of the Philippines, on September 13, 1943. His father, a Catalan (from Catalonia, Spain), had been working in that country since 1919, for a tobacco company, and was married to a Filipina of Spanish descent. In his childhood, Aute studied at the De La Salle School, where he learned English and Tagalog, which is used within his family. At an early age he showed great ability as a painter and sketcher. Another childhood passion was cinema; his interest in filmmaking was abetted by his parents' giving him an 8 mm camera, which he used to produce home-made movies with his friends.
At 8 years old, he traveled to Spain for the first time. In Madrid, with the Hotel Avenida Orchestra, he sang for the first time in public, interpreting the song Las hojas muertas (The Dead Leaves). At age 9 he watched "On the Waterfront", a movie that had a powerful influence on him and inspired him to write his first poems in English. Another cinematic influence at that age was the movie Niagara, where he discovered the eroticism and sensuality of Marilyn Monroe.
Return to Spain
In 1954 after a short stay in Barcelona, Aute returned definitively to Madrid, where he studied in the "Colegio Nuestra Señora de las Maravillas" (Catholic School). At 15 years old, with his new guitar received as a birthday present, he performed at an end of school party, as part of a trio with two friends. During these years he was very influenced by German Expressionism, and dedicated most of his time to paint, winning a silver medal in a Spanish 'Juvenile Art Contest'.

domingo, 2 de dezembro de 2012



“Los maestros republicanos fueron los funcionarios más represaliados en la guerra civil y en la dictadura franquista. Y, cualitativamente, el sector que sufrió el mayor destrozo.....Cerca de mil maestros fueron fusilados y más de treinta mil represaliados.
Los curas representaban la oscuridad, la superstición, el
pecado, el miedo como estrategia para controlar a las
personas. En cambio, los maestros representaban lo contrario.”

Francisco Andión González, más conocido como Patxi Andión, (n. Madrid; 6 de octubre de 1947) es un cantautor, músico, profesor y actor español. Ha participado en algunas películas españolas de los años 1970 y es conocido fundamentalmente por su labor como cantautor.
Nació en 1947, dicen los papeles que en Madrid, aunque siempre lo marcaron sus ancestros vascos. Ahora sólo esporádicamente ‘desempolva’ aquellas viejas canciones que un día sonaron como un mazazo en una España en la que se había asumido en menor o mayor grado, y con las lógicas convulsiones, a Serrat, a Raimon, a Llach... pero en la que costó aceptar a Patxi. Y es que él no le buscaba tanto como otros el doble sentido o la metáfora social a sus canciones, ni escondía sus aspiraciones y frustraciones, ni éstas estaban tan lejanas de las del hombre de la calle... Pero lo hacía con una voz tan sincera, no exenta de un tono de irónica mala leche, que había quien pensaba que le podían haber censurado hasta el mismísimo “Avemaría”, de haberlo grabado con aquel, su inimitable estilo...
“Nací exactamente hace 21 años y hace 21 años que soy vasco. En mi pueblo había una iglesia y ocho tabernas. A los diecisiete días dicen que me trajeron a Madrid; aquí me inscribieron. Comencé a estudiar en Madrid en un colegio de lo que a mí me parecía una gran ciudad. Apenas éramos doscientos, parecíamos el desecho educacional de otros colegios. Lo éramos. Éramos también sinceros, y nos reíamos de los profesores. Rompíamos farolas y cabezas, también tirábamos a las chicas del pelo. Más tarde fumábamos en los servicios. Allí nacieron mis primeros pensamientos de conciencia de clase y mis primeros odios”...
Actualmente reside en Madrid y da clases de Comunicación audiovisual, Producción, realización y operaciones artísticas y Producción audiovisual práctica en la Escuela Universitaria Politécnica de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha.


domingo, 25 de novembro de 2012

Joan Manuel Serrat - "O ferro-velho" (em português) do disco single,com o mesmo titulo (1969)



Adaptação do poema por Alexandre O'Neill
Poema (original) e musica de Joan Manuel Serrat.

Joan Manuel Serrat i Teresa (Catalan pronunciation: [ʒuˈam mənuˈɛɫ səˈrat]) (27 December 1943) is a Spanish singer.
Serrat is considered one of the most important figures of modern, popular music in both the Spanish and Catalan languages. He became involved with music at the age of 17, when he got his first guitar, to which he dedicates one of his earliest songs, "Una guitarra".
In the early '60s, the young artist participated in a pop band, playing along with classmates at Barcelona's Agronomy School and performing mainly Beatles songs and Italian 'pop-of-the-era' songs translated to Spanish.
In 1965, while singing in a radio show called Radioscope, host Salvador Escamilla helped him secure a record deal with local label Edigsa, where he recorded his first LP, as well as joining the group Els Setze Jutges.
Joan Manuel Serrat's first live stage performance in 1967 at the Palau de la Música Catalana, served to establish him as one of the most important artists inside the Nova cançó movement in Catalonia.
The following year, Spain entered Serrat in the Eurovision Song Contest 1968 to sing "La, la, la", but he asked to sing it in Catalan, to which the Spanish authorities would not agree. This would be the first time he would come into conflict with the language politics of Francoist Spain, because of his decision to sing in his native Catalan language, repressed by dictator Francisco Franco. Defiantly, Serrat refused to sing the Spanish-language version, and was hurriedly replaced by Massiel, who went on to win the contest with her Spanish-language interpretation.
As a result, Serrat's songs were banned and his records burned in the streets. He then traveled to South America and participated in the Rio de Janeiro's World Music Festival, where he took first place with the song "Penélope".
In 1969, Serrat released an album containing songs with texts of Antonio Machado, a well-known Spanish poet of late 19th-early 20th century. This album brought him immediate fame in all Spain and Latin America though, in spite of this, his decision to sing in Spanish was criticized in some Catalan nationalist circles. Regarding this and other times when his choice of language (sometimes Spanish, sometimes Catalan) raised controversy on either side of the political sphere, he once explained: "I sing better in the language they forbid me."
The release of the Mediterráneo LP in 1971 consolidated the artist's reputation worldwide. During that year, Serrat sang a seminal concert at the theater of theUniversity of Puerto Rico, Río Piedras Campus, which was highly influential in the Puerto Rican music community of the time, and which had repercussions as late as 2006.
In late 1974, Serrat was exiled in Mexico due to his condemnation of arbitrary executions under Franco's regime. It wasn't until Franco's death on November 20, 1975 that Serrat was able to return to his homeland. In 1976, Joan Manuel Serrat was acclaimed for the first time in the U.S.A., while performing in Los Angeles, San Francisco, and New York.
In January 1995, the Spanish government awarded him a medal for his contribution to Hispanic culture. That same year, a tribute album called Serrat, eres único was made to honor his career, featuring artists such as Diego Torres, Ketama, Rosario Flores, Joaquín Sabina, and Antonio Flores. On 28 November 1998, Serrat performed the Cant del Barça during the FC Barcelona Centenary festival at the Camp Nou.
In 2000, the Spanish Association of Authors and Editors (SGAE) awarded him with one of ten Medals of the Century.
Serrat revealed in October 2004 that he had been undergoing treatment for cancer of the urinary bladder and in November that year he had to cancel a tour of Latin America and the U.S. in order to undergo surgery in Barcelona, where he still lives. His signature song "Mediterráneo" was selected as the most important song of the 20th century in Spain.
His recovery was satisfactory, and in 2005 he went on tour again ("Serrat 100×100") around Spain and Latin America with his lifelong producer and arranger, Ricard Miralles. During the tour Serrat played symphonic versions of his songs with local symphony orchestras.
A second volume of Serrat, eres único was also released this year, featuring Alejandro Sanz, Estopa, and Pasión Vega. Around the same time, Cuban artists such as Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Chucho Valdez, and Ibrahim Ferrer came together to make another tribute CD, Cuba le canta a Serrat.
By 2006, the theater of the University of Puerto Rico in Río Piedras where Serrat sang in 1970 had undergone a multi-million dollar renovation, after being closed for ten years. The university planned to reopen the theater with Serrat as its first popular culture act, thus recalling his first performance there. However, student protests over the university conceding private entities control over some theater administration functions ended up in a physical confrontation between some student leaders and patrons attending the theater's inaugural gala, the day before Serrat's first scheduled performance. As a result, the concerts had to be postponed and changed to another venue. Serrat felt particularly uneasy about the whole situation; when he was pressed to take sides in the controversy he opted to remain neutral.
In 2006 Serrat also released Mô, his first album completely in Catalan in 17 years. The album title refers to the city of Mahón, capital of the Spanish island of Menorca, where he likes to get away from it all during long touring seasons.
 Retirado da: Wikipédia.



domingo, 18 de novembro de 2012

Aguaviva: poetas andaluces, versión original.



Aguaviva es un grupo musical español, que desarrolló básicamente su trayectoria durante los años 70 del siglo XX. Interpretaron poemas de poetas españoles como Blas de Otero, Federico García Lorca yRafael Alberti entre otros. Algunas de sus canciones fueron prohibidas por el régimen de Francisco Franco (1939-1975).
AGUAVIVA llegó en el momento preciso, como si hubiera sido un diseño cuidadosamente programado para aparecer cuando hacía falta y para decir las cosas que la gente necesitaba escuchar. Y no fue así. Se construyó de forma natural, como nacen y se hacen todos los grupos en el mundo: reuniones de jóvenes con inquietudes comunes, dispuestos a plasmarles en canciones, selección de textos, musicalización de los mismos, recluta de componentes y... a echar a andar.
Corrían los últimos años sesenta y en España se vivía una ebullición que un régimen, acostumbrado a que nada cambiara, no llegaba a advertir. Las cosas estaban cambiando a gran velocidad, aunque en la superficie todo pareciera atado y bien atado. En un piso de Madrid, cercano a la Avenida de América, un estudiante con ansias literarias, José Antonio Muñoz, ponía las bases del nuevo grupo junto a un joven cantautor asturiano que ya había estado en Mágicos, Polaris y Sonor, antes de debutar como intérprete de sus propias canciones. Se llamaba Manolo Díaz y el público le conocía principalmente por su "Postguerra" aunque también había escrito para Massiel o Manolo Pelayo.
A ambos les movían los mismos ideales. Seleccionaron cuidadosamente los poemas y los autores y Manolo Díaz les fue poniendo música. Ellos no inventaron lo de musicalizar poetas. Alberto Cortez o Serrat ya habían triunfado con Neruda o Machado. Pero encontraron una fórmula propia que respetaba el texto íntegro, recitado, del poema y además le añadía música, armonía y voces. Firmaron por un nuevo sello discográfico, Acción, ligado a la Cadena SER y grabaron su primer disco con una formación tan abierta que ni siquiera fueron los mismos intérpretes quienes empezaron y terminaron el disco. Algunos de los componentes que cantaron en los primeros temas ya ni aparecieron en la portada de aquel álbum, titulado "Cada vez más cerca" cuya portada presentaba el formato de un periódico lleno de noticias de actualidad. En aquel disco estaba “Poetas Andaluces”, un poema del gaditano Rafael Alberti, escrito en 1950, lamentándose de que no se alzara ninguna voz andaluza contra la situación que vivía España en aquel entonces. Pero AGUAVIVA la grabó en el 70 y Alberti creía que en esa época los poetas andaluces ya habían hablado, y con firmeza, contra la dictadura. Al final todo se solucionó añadiendo al título del poema “Poetas andaluces”, ese año 1950, que señalaba así la fecha de su nacimiento.
En un primer momento, AGUAVIVA no fue recibido con demasiado entusiasmo en España. Un veterano crítico de discos, que trabajaba entonces en la radio oficial, llegó a quejarse del contenido del álbum con una frase que define el espíritu de aquella vieja guardia: “No hemos ganado la guerra para que ahora se escuche a Alberti en nuestras radios”. Sin embargo, en los ambientes progresistas se les recibió como una de las voces más valientes de una época especialmente difícil. Donde causaron sensación fue en Europa. La conquista empezó con la VI Mostra de Venecia, en 1970, donde cantaron por primera vez fuera de España con una acogida inesperadamente elogiosa. Luego llegaron las actuaciones de Portugal y el Midem de Cannes del 71, en la que repitieron el triunfo y, tras él, la llamada de televisiones y organizadores de festivales de toda Europa que les reclamaban como auténticas estrellas.
En 1971 participaron por primera vez en el Festival de San Remo, en una etapa en que las canciones tenían dos defensores, habitualmente uno italiano y otro extranjero. AGUAVIVA interpretó “13 Storia D’oggi” formando tándem con Al Bano y pasaron a la final. Al año siguiente repitieron experiencia, pero ya sin compartir responsabilidades, pues ese año solo había un intérprete por canción y pasaron también a la final con “Ciao, amico, ciao”. Entretanto recorrieron Europa, casi siempre en un autobús en el que, además de los cantantes y músicos, llegaban a viajar los hijos, todavía bebés, de algunos componentes. Eran como una gran familia que, sin embargo, cambiaba de miembros con enorme velocidad. Eso llevó a un periódico italiano a escribir que AGUAVIVA estaba compuesto por 32 componentes aunque para el Festival de San Remo habían enviado una formación ¡reducida! de doce miembros. En otro periódico se utilizó la cifra de 64 componentes, pues quizás interpretaban mal la explicación de que por el grupo habían pasado, a lo largo de su historia, dos o tres decenas de miembros. Entre los más duraderos y representativos de esa forma de ser de AGUAVIVA se podría citar a Carmen Sarabia, Rosa Sanz, Luis Gómez-Escolar, José María Jiménez, Ricardo Duque, Juan Carlos Ramírez Llach, Pepe Egea además de José Antonio Muñoz y Manolo Díaz, socios fundadores. En 1971 AGUAVIVA editaba su segundo álbum, “Apocalipsis”, con un formato similar al anterior: una selección de poemas que eran recitados, casi siempre en la voz de José Antonio, y cantados por todos sus compañeros. De nuevo el equilibrio en la elaboración de los temas era fundamental: la elección de los textos era tan importante como su puesta en música y eso hizo que AGUAVIVA no cometiera en error de ceder la primacía a uno de ambos aspectos, habitual en formaciones de ese tipo. Los hay que se convierten en excelentes intérpretes de canciones vacías mientras que otros prefieren densos textos con música de escasa inspiración.
En el 72, con gran regularidad, aparecía “La Casa de San Jamás”, una obra conceptual en la que no se recurría ya a textos ajenos y donde había músicas de varios componentes de AGUAVIVA, labor que hasta entonces había realizado Manolo Díaz. Son los tres primeros álbumes de un grupo que supo ser diferente sin alejarse por ello de las exigencias de una sociedad ávida de escuchar verdades como las que ellos cantaban. Su éxito fue tal que, en esos tres primeros años, vieron sus discos editados en toda Europa y que el primero, “Cada vez más cerca”, llegara a ser publicado en los Estados Unidos con el título “Aguaviva, 12 who sing of revolution” y con la voz de Raúl Juliá recitando en inglés la parte que José Antonio Muñoz había grabado en castellano. Los propios AGUAVIVA grabaron en italiano y sus discos aparecieron con regularidad en Francia, Italia, Holanda, Alemania, Portugal y hasta en Angola, país al que fueron invitados a cantar pocas horas antes de estallar la guerra que les llevaría a la independencia. Cantaron en todos esos países, con estatus de estrella y teniendo como complemento algunos cantantes de esos que nuestras televisiones llaman como grandes atracciones con cheques llenos de ceros. Todavía editarían un álbum más, muy minoritario, en el sello Acción, con el título de “Cosmonauta”. Luego llegó la venta del sello original y pasaría a Ariola, donde editaron un quinto álbum, “Poetas andaluces de ahora” y a EMI donde culminaron su trayectoria con “No hay derecho”.
Y contabilizamos así los discos, dejando aparte “La invasión de los bárbaros”, un álbum que quedó sin editar en su momento y vería la luz más tarde. Pero la gran carrera de AGUAVIVA se produjo en la primera mitad de los setenta, cuando grabaron con Acción, un sello tan inexperto y primerizo como ellos mismos. Y esa es la etapa que recogemos en este doble álbum, resumen de un tiempo difícil en el que unos jóvenes universitarios supieron encarnar en sus voces el grito de todos los que vivimos aquella época.


domingo, 11 de novembro de 2012

Os Kriptons - Manga Madura (1965).



"Segundo consta na contracapa do EP, Os Kriptons eram formados por:
Dinito (António José Diamantino - viola solo), Carss (Carlos Alberto Sanches - viola baixo), Gilima (Gil Azevedo Lima - viola ritmo) e Toni (António Veloso -- bateria).
Este grupo atuou pela primeira vez em Outubro de 1964 no N'gola Cine, em Luanda e eram muito populares, tendo alcançado bastante êxito regional."

domingo, 4 de novembro de 2012

Os Inlexo - Uma Velha Foi a Feira.



Pessoalmente, confesso que fiquei bem impressionado com essa descoberta...
Tudo bem que nos 4 cd’s PORTUGUESE NUGGETS ( série sobre a "jovem guarda lusitana" ) aparecem uma ou outra música desses caras, mas nunca imaginei que eles fossem de tão mais longe ainda... no caso, da cidade de Lourenço Marques (atual Maputo), capital Moçambicana!

Sim, Os Inflexos foram uma banda de rock no continente africano. Aliás, o que não faltava por lá era rockeiro bom, mas isso na África do Sul, que além de contar com talentos da estirpe de Dan Hill, The Bats, The A-Cads, The Invaders etc, também exportou muita gente de peso como Manfred Mann, Johnny Kongos, Sharon Tandy (que já aportou por esta coluna) e o produtor Frank Fenter, décadas antes da estonteante Charlize Theron e do insosso Dave Mathews ganharem o mundo dos famosos.
Mas voltando ao Moçambique...
Uma curiosidade sobre as bandas de lá é que por conta dos recursos limitados dos estúdios locais e da deficiente distribuição (isso, mesmo sendo um então território portugues), os artistas se apoiavam de fato na boa estrutura dos estúdios sul-africanos que, à revelia de um stablishment racista e ultra-conservador, investiam forte no rock'n'roll, propagando sobremaneira os ecos da música negra norte-americana. Logo, o presente disco d'Os Inflexos, apesar de ter sido todo composto em Moçambique, foi gravado e teve sua distribuição feita a partir de Johanesbourgo, na África do Sul.
Ano passado, várias dessas músicas foram lançadas em uma série portuguesa chamada CAZUMBI, dedicada inteiramente à produção roqueira no continente africano durante os anos 60 e começo dos 70, mas isso aí já é assunto para um outro dia...
Os INFLEXOS eram : Carlos Nelson (voz), Helder Matias (viola), Jorge Montenegro (órgão), Chico (baixo) e Carlos Alberto (bateria). Em 1969 gravaram apenas um epê, com as faixas: "Verdes Anos" (versão lusa para "Ob-la-di-Ob-la-da" dos Beatles), "Furtivo Olhar", "Uma Velha Foi À Feira" (flertando naturalmente com a tropicália!) e "Let Me Live My Life".
Não demorou para que divergências internas se acirrassem e provocassem a cisão da trupe. Para um lado, seguiu-se o vocalista Carlos Nelson, que gravou um single sob o nome Carlos Nelson & Os Inflexos, e por outro lado, seguiram-se os demais integrantes que rebatizaram a banda de Os Impacto. Carlos Nelson rumou para uma vertente mais folk-lissérgica enquanto que Os Impacto assumiam uma faceta mais blues-garageira. Contudo, ambos os lados mantiveram-se fiéis à sonoridade do epê, provando que mesmo as diferenças mais gritantes existentes entre si não podiam separá-los do que faziam melhor: boa música, com identidade própria!



domingo, 28 de outubro de 2012

Quinteto Académico - Michael (Row the Boat Ashore)



Era um grupo de cinco músicos com muito boa vontade mas técnicamente com carências. A formação original era constituída por Daniel Gouveia (piano), Mário Assis Ferreira (viola eléctrica), Artur Pinto (bateria), José Manuel Fonseca (clarinete) e José Augusto Duarte (contrabaixo). 
Participam na banda sonora do filme "Domingo à Tarde" (1965) de António de Macedo. A banda sonora do filme "Sete Balas para Selma", do mesmo realizador, era composta por canções com letra do poeta Alexandre O'Neill musicadas pelo Quinteto Académico (grupo popularizado por temas românticos) e cantadas por Florbela Queiroz. 
O Quinteto Académico participou no primeiro Festival de Vilar de Mouros, que decorreu nos dias 3 e 4 de Agosto de 1968 no Campo do Casal.
Por volta de 1968, dá-se uma grande reviravolta na banda ficando apenas José Manuel Fonseca e entrando para o grupo Pedro Osório (teclas), o belga Adrian Ransy (bateria), o luso-francês Jean Sarbib(baixo) e Carlos Carvalho (guitarra). Mário Assis Ferreira passou a ser o agente artístico do Quinteto Académico.
Pedro Osório e Jean Sarbib saem e dá-se a entrada de 4 novos elementos: o teclista inglês Mike Carr; o norte americano Earl Jordan como vocalista; um trompetista sul africano e o guitarrista escocês Mike Seargent (ex-Marmalade). A formação ficou então com 7 elementos e o grupo passou a designar-se Quinteto Académico + 2.
Dany Silva (ex-Charruas) também fez parte do grupo QA+2.
As compilações "Portugal Deluxe", editadas em 1997 e 1998, incluem vários temas do grupo: "I've got my mojo working", "Abdulah" , "Papa's got a brand new bag" e "Judy In Disguise".

retirado da wikipédia.


domingo, 21 de outubro de 2012

Os Charruas - Povo (1968)




"Os Charruas eram uma banda yé-yé de Santarém por onde passaram, em fases diferentes, Dany Silva e Kátia Guerreiro.
Natural da ilha de São Tiago (Cabo Verde), Daniel Pereira da Rocha e Silva estudava na Escola de Regentes Agrícolas de Santarém, actual Escola Superior Agrária de Santarém (daí o nome de Charruas), quando, em 1967, decidiu formar a banda com Carlos Manuel Sardinha Ribeiro da Cruz, João Magalhães e João Carlos d'Almeida Baptista, companheiros na Escola.
Carlos Sardinha, natural do Cartaxo, tinha 19 anos e era o viola solo, João Magalhães, de Lisboa, tinha 18 anos era o vocalista, viola ritmo e compositor, Dany Silva tinha 22 anos e era o viola-baixo e autor das letras e João Baptista, de Castelo Branco, 20 anos, era o baterista.
No dia 17 de Maio de 1968, os Charruas ficaram no 3º lugar do I Concurso Académico de Música Moderna, organizado pelo CITU (Centro de Intercâmbio e Turismo Universitário) no cinema Império, em Lisboa, depois dos Psico (ex-Espaciais) e dos Diamantes Negros e à frente da Equipe 88, de Luís Moutinho (Deltons).

Conta a lenda que que os Charruas perderam o Concurso, porque os seus colegas da Escola de Regentes Agrícolas resolveram levar todo o tipo de bicharada (sapos, grilos, etc) que soltaram no palco, tendo influenciado negativamente o júri.
O repertório do conjunto baseava-se essencialmente em versões de canções dos Beatles, Rolling Stones e Otis Redding.
Depois do Concurso, em 1968, os Charruas editaram pela Alvorada (EP-60-1083) um único EP com "Povo", "Love, Love Are Words", "Come On, Baby, Come On" e "Os Teus Olhos, Senhora", tudo originais da banda.
Dany Silva pertenceu depois esporadicamente ao Quinteto Académico, acompanhou Georgie Fame numa digressão pelo Algarve e encetou uma carreira a solo.

Nascida na África do Sul em 1976, Kátia Guerreiro, antes de enveredar pelo fado, foi vocalista dos Charruas nos seus tempos de estudante de Medicina. É prima do então vocalista do grupo, João Magalhães."
in guedelhudos.blogspot.com


domingo, 14 de outubro de 2012

Baby It's You - Os Álamos



Os Álamos surgem em Coimbra em 1963, depois da dissolução do Conjunto do Orfeão de Coimbra na sequência da saída de José Cid para integrar os Babies. Numa primeira fase, fazem parte da banda, Daniel Proença de Carvalho (guitarra) e Rui Ressurreição (piano) - que eram do Conjunto do Orfeão de Coimbra -, e ainda Luís Filipe Colaço (guitarra), entre outros. Por entre as aulas e os estudos, Os Álamos viajam pelo continente, Açores, Madeira e também Angola, evoluindo do estilo antigo que caracterizava o anterior projecto de que provinham para a música yé yé, embora não decalcando os The Beatles ou The Shadows, como outros projectos faziam na altura. Convites para espectáculos em França e na Suiça foram recusados devido aos afazeres académicos. Dessa altura, ficou registado o primeiro EP do grupo, intitulado "O Comboio", publicado pela Rapsódia. Em 1968, os Álamos surgem já com outra formação, constituída por Rui Ressurreição (piano), Carlos Manuel Correia (aka Boris, guitarra-solo, que mais tarde integrará o Conjunto Universitário Hi-Fi e acompanhará José Afonso), José António Pereira (bateria), Luís Filipe Colaço (guitarra-ritmo), José Luís Veloso (baixo) e António José Albuquerque (órgão). Editam então o single "Stop That Game", com letra, em inglês, de Carlos Manuel Correia e "It's a New Day", com letra de Isabel Motta e Rui Ressurreição e, já na Movieplay, o single "Peter and Paul" cantando em inglês e português. Os Álamos deram origem, mais tarde, em 1969, ao Conjunto Universitário Hi-Fi. [Enciclopédia da Música Ligeira Portuguesa (adaptado)].



domingo, 7 de outubro de 2012

Gonçalo Lucena e Conjunto Nova Onda - Ao Ritmo do Madison (1963)



O Conjunto Nova Onda, foi dos primeiros grupos portugueses ao estilo dos Shadows. Formaram-se no final da década de 1950, em Cascais. Cinco rapazes reúnem-se neste conjunto a que dão o nome de Nova Onda. 
"Luís Waddington (guitarra), Gonçalo Lucena (voz), Manuel Lucena (bateria), Edmundo Silva (baixo) e Francisco Deslandes (guitarra) formam o grupo que tinha por objectivo tocar à Shadows e cantar como o Cliff Richard. No início da década de 1960 gravam um único disco pela etiqueta Alvorada que incluía uma versão de "Vendaval", canção popularizada por Tony de Matos. Mas cedo o Nova Onda daria origem ao famoso Conjunto Mistério."


sábado, 29 de setembro de 2012

OS VODKAS - San Francisco girls-Portugal 1969.




Os Vodkas, banda da Figueira da Foz, formaram-se por volta de 1965 e mantiveram-se bastante activos até ao ano de 1969. Praticantes de um som garage - em grande parte originado pela utilização de um órgão em fuzz -, apontava como seus mentores Bob Dylan e The Byrds. Os Vodkas tiveram origem no Conjunto Infantil dos Caras Direitas, uma agremiação com sede em Buarcos que se dedicava, na altura, a tocar em bailes de clubes recreativos. Convidados por José Sarmento, um comerciante figueirense, formaram então Os Vodkas, tocando os êxitos da época, no Verão no Casino da Figueira e, no Inverno, nos bailes de finalistas e dos clubes recreativos. O projecto foi inicialmente constituído por Fausto José Azul da Cunha e Costa (bateria), Ministro Pedro (aka Cafum, órgão), José António Pereira (voz), António Barreto da Silva (baixo) e Tomé (guitarra). Durante os anos seguintes houve grande rotação de músicos devido a divergências internas e também ao facto de alguns dos seus integrantes terem ido para o estrangeiro, fugindo assim ao serviço militar e à consequente guerra do Ultramar. Fausto da Costa já só participará parcialmente na gravação do único disco da banda, dado ter sido entretanto mobilizado para a tropa. O quinteto que, em 1969, teve honras de gravação do EP "Time Is Drawing Near" foi formado por António Manuel Barbosa Veríssimo (aka Mané, baixo), Norton de Matos Ferreira (guitarra), Tomé, Ministro Pedro (aka Cafum, orgão) e José António Pereira (voz). No final de 1969, o grupo era já apenas um quarteto, preparando-se para gravar um novo trabalho que nunca chegou a ser editado. Passarão ainda pelo grupo outros músicos como Maurício da Telecaster, Luís Alberto Mesquita da Costa (órgão)e Eugénio (aka Genito, futuro baterista dos Pops de Coimbra).


domingo, 23 de setembro de 2012

I Put a Spell on you




"Os Rocks foi um quinteto de Luanda, Angola, formado em 1962. O vocalista era Eduardo Nascimento. Os outros elementos eram Luís Alfredo, Fernando Saraiva, João Cláudio e Elmer Pessoa.
Ficaram em segundo lugar num concurso Yé-Yé realizado no Teatro Monumental e venceram o Prémio da Imprensa para melhor conjunto de 1966.
Eduardo Nascimento é convidado a participar no Festival RTP da Canção 1967.
"O Vento Mudou", da autoria de Nuno Nazareth Fernandes e João Magalhães Pereira, foi o tema vencedor.
Foi lançado um EP com os temas "O Vento Mudou" e "A Lenda do Rochedo", no lado A, e mais dois temas no lado B.
Em 1967 os Rocks gravaram um EP com os temas "Wish I May" e "The Pied Piper".
Em 1968, agora já um sexteto, lançaram ainda o EP "Don´t Blame Me".
O grupo terminou em 1969 com o regresso dos elementos à sua terra de origem. Luis N'gambi casou-se com Paula Ribas e gravou vários discos com ela."




domingo, 16 de setembro de 2012

Os Tubarões - Baby It Hurts (1967)


Os 6 Tubarões que gravaram este único EP foram Carlos Alberto Sá Loureiro (órgão), Victor Barros (viola-ritmo), Luís Alberto Dutra (viola-baixo), Alexandre Merino (voz), Waldemar António (viola-solo) e Eduardo Pinto (bateria).

Os Tubarões formaram-se em Viseu no último trimestre de 1963 com António Nogueira Fernandes (único que sabia tocar guitarra), José Alexandre Merino (voz), Victor Barros (viola e voz), Luís Alberto Dutra (baixo) e Eduardo Pinto (bateria).

A primeira apresentação pública foi em São Pedro do Sul, com instrumentos emprestados pela banda de Lafões.

Durante o ano de 1964, o conjunto rodou nas Termas de S. Pedro do Sul, ensaiando canções dos Shadows, de Cliff, dos Chat Sauvages, dos Beatles na antiga FNAT, actual INATEL, e conseguindo o primeiro contrato profissional na boîte "A Mó", em cima do rio Vouga.

Ainda em 1964, já com Carlos Alberto Homem Sá Loureiro (teclas), os Tubarões participaram na inauguração do Hotel Grão Vasco, ainda hoje um dos melhores da cidade de Viseu.

No final desse ano, os Tubarões eram então formados por António Nogueira Fernandes (guitarra), Victor Barros (viola-ritmo), Luís Alberto Dutra (viola-baixo), Eduardo Pinto (bateria), Carlos Alberto Sá Loureiro (teclas) e José Alexandre Merino (voz).

No primeiro trimestre de 1965, os Tubarões deram um grande salto qualitativo com os investimentos do empresário viseense António Xavier Homem de Sá Loureiro, pai do teclista Carlos Alberto e em Abril já tocavam no intervalo da exibição da película "Summer Holiday", de Cliff e dos Shadows.

No Verão, em Julho, foram à Figueira da Foz inaugurar o restaurante "O Tubarão", propriedade de um empresário viseense, o que os levou a um contrato interessante de dois meses com o Grande Casino Peninsular, onde actuaram ao lado de Gelú, I Don Giovanni, Duo Ouro Negro, Madalena Iglésias...

E em 1965, entra mais um elemento para o grupo, a Dona Urraca, uma carrinha de transporte do equipamento.

Com Joaquim Guimarães na guitarra, os Tubarões participaram no dia 09 de Outubro de 1965 na 7ª eliminatória do Concurso Ié-Ié, no Teatro Monumental, em Lisboa, tendo ficano no 2º lugar imediatamente atrás dos Sheiks e à frente dos Galãs (Porto), Czares (Aveiro) e Jovens do Ritmo (Amora-Seixal).

Apresentaram-se com "Miss Molly", "Eight Days A Week", "Mike", de Trini Lopez, e "Ya Ya", envergavam fato azul, camisa branca e laço preto.

Eram então Luís Alberto Dutra, viola baixo, 18 anos, Joaquim Guimarães, viola solo, 20 anos, José Alexandre Merino, vocalista, 17 anos, Eduardo Pinto, bateria, 18 anos, e Carlos Alberto Sá Loureiro, órgão eléctrico, 16 anos.

E no dia 15 de Janeiro de 1966, no mesmo local, classificaram-se no 3º lugar da 2ª meia-final, atrás dos Saints (futuros Claves), que viriam aganhar o Concurso, e dos Jets (Lisboa) e à frente dos Cometas Negros (Castelo Branco), Kímicos (Lisboa) e Boys (futuros Álamos), de Coimbra.

Tocaram "Satisfaction", "Goodbye My Love", "I Feel Fine" e "It's My Life" e, a pedido, "Voo do Moscardo" num encore inédito.

A final realizou-se no dia 30 de Abril de 1966 e os Tubarões ficaram em último lugar depois dos Claves, Rocks, Night Stars, Jets, Ekos, Chinchilas e Espaciais.

Maria Leonor, famosa locutora de Rádio e TV, assume-se como madrinha do grupo, contratando-o Conjunto Oficial Woolmark, dando apoio nas passagens de modelos organizadas por todo o País.

No Verão, além do Casino da Figueira, os Tubarões faziam sortidas à Praia de Mira onde tocavam no Mira-Sol com os Kzares, de Aveiro.

O ano de 1967 foi igualmente de muito trabalho para os Tubarões.
Em Lisboa, o conjunto passou a ter um representante, Fernando Matos (O Pascoal), além de amigos como Rui Oliveira Costa, viseense a viver em Lisboa e ao tempo manager dos Deltons, de Luís Moutinho, filho de Maria Leonor.

Pascoal, através de Pedro Castelo, consegue um contrato para os Tubarões actuarem num fim de semana no "Caruncho”, em Lisboa, provavelmente a mais famosa boîte da época.

No Verão, o conjunto volta a fazer uma residência no Casino da Figueira da Foz e, perto do final do ano, assinou contrato discográfico com a Alvorada e gravaram o único EP nuns estúdios do Campo Santana, em Lisboa, e que viria a ser editado no Carnaval de 1968.

O serviço militar obrigatório viria a acabar com os Tubarões em Setembro de 1968.

retirado de: http://blogs.myspace.com/tubaroes



domingo, 9 de setembro de 2012

Toada beirã - Os Blusões Negros.


RAPSÓDIA - EPF 5.290 - 1966

Tequilla - Coimbra Menina E Moça - Toada Beirã - Tango Dos Barbudos

As canções têm arranjos de Jorge Melo.

Os Blusões Negros são uma das bandas menos conhecidas do yé-yé português. São do Porto e participam na colectânea "Caloiros da Canção" com o clássico "Toada Beirã".

Ensaiavam em casa de Jorge Estrela (viola-ritmo), irmão de Jorge Melo, locutor dos Emissores do Norte Reunidos e autor dos arranjos do conjunto. Outros fundadores foram Xico Teixeira (viola-baixo) e Carlos Alberto (bateria).

No início da sua carreira acompanhavam Armindo Rock (Armindo da Costa), outro pioneiro, ilustre desconhecido do rock português, sem discos gravados.

Em 1961, com 17 anos, Armindo Rock iniciou a sua carreira artística acompanhado pelo Conjunto Tony Araújo que já naquela altura estava equipado com guitarras Fender e aparelhagem Semprini.

O meu primeiro rock em português data de 1961 com o título "Eu Quero O Rock". Ao tempo, recebia mais de 400 cartas por mês pedindo fotografias autografadas, diz Armindo Rock.

Os Blusões Negros fizeram a primeira parte do concerto de Sylvie Vartan no Pavilhão dos Desportos, no Porto, em 1964.

Ainda em 1964 foram os 2º classificados do I Festival Musical do Porto, patrocinado pela revista "Plateia", em 1964, na modalidade de "música moderna". Os vencedores foram os Teias e na modalidade de "música de dança" o troféu foi para os Galãs.

Chegaram a tocar com sete violas em palco.

Retirado de: http://guedelhudos.blogspot.pt/2010/09/blusoes-negros.html



quinta-feira, 6 de setembro de 2012

SINDIblue Suerde CATO'S Shoes (1971)



Os Sindicato foram criados na recta final da década de 1960. Este projecto foi praticamente um «who's who» do rock nacional de então. Pelas suas fileiras passaram Ricardo Levy e Júlio Gomes (guitarras), Edmundo Falé (voz, ex-Ekos e Conjunto Mistério), João Maló (ex-Chinchilas e guitarrista de estúdio, pai do compositor Nuno Maló), Eduardo Oliveira (também conhecido como Necas, e que participaria nas gravações do 1º LP do Quarteto 1111, sendo mais tarde um dos membros dos NZZN), Vítor Mamede (bateria, ex-Chinchilas e futuro membro dos Status, Quarteto 1111 e Green Windows), Rui Cardoso (saxofone, ligado ao jazz desde os finais dos anos 50 e autor de bandas-sonoras de vários filmes portugueses) e Rão Kyao (que tinha já integrado o Bossa Jazz 3, partindo já depois do 25 de Abril para uma reconhecida carreira a solo), além de dois outros músicos na secção de sopros, Luís Pereira (trompete) e Cirilo Coutinho (trombone), este último já falecido, assim como Jorge Palma que foi teclista e cantor dos Sindicato, banda rock com ambições a ser uma espécie de Blood Sweat & Tears portugueses, para o que muito contribuiu a inclusão de uma secção de metais da qual fazia parte Rão Kyao. O facto dos Sindicato terem de coordenar uma série tão diferente de sonoridades inspirará Palma a trabalhar como arranjador, carreira que o ajudará a sobreviver durante parte da década de setenta, ao regressar, depois do 25 de Abril, de uma estadia de um ano na Dinamarca para evitar a chamada à guerra colonial.

Numa época em que primeiro os Blood, Sweat And Tears e depois os Chicago surgiam com um rock marcado pelas sonoridades do jazz, os Sindicato tentavam também, tal como o projecto O Controle, mostrar que em Portugal havia um caminho a trilhar nessa área. No que toca a edições discográficas, deixariam apenas os seus talentos no single «Smile», de 1971, e em dois temas da colectânea de Paulo de Carvalho publicada no mesmo ano pela Phonogram, editora hoje representada pela Universal e com a qual o grupo tinha contrato.

No primeiro destes discos, apresentavam, no lado A, a composição original homónima, com uma progressão musical algo devedora do free-jazz, e, no lado B, uma leitura muito particular para «Blue Suede Shoes», de Carl Perkins. A produção ficou a cargo de Luís Villas-Boas, patrono do jazz português, que na altura colaborava com a editora.
Os Sindicato foram encarregues de fazer versões instrumentais precisamente para «Flor Sem Tempo» e para «Walk On the Grass», um dos dois temas que o espanhol Manolo Díaz entregou à «Voz» nacional.

No Verão de 1971, os Sindicato participaram no Festival de Vilar de Mouros, actuando no fim-de-semana dedicado à «música moderna para a juventude», a 7 e 8 de Agosto. Com Edmundo Falé como vocalista, o grupo apresentou a sua música a um público que não entendia as deambulações jazzísticas e elaboradas dos músicos, mas que depois não regataria aplausos ao concerto da Manfred Mann's Earth Band (que ainda estava a seis meses da edição do seu álbum de estreia).

Em 1972, a banda terminou a sua carreira.